Exhibitions Other Infos: Outside

Diego Iaia, Luana Perilli, Marco Strappato

DROME project space Brussels

Images

On occasion of the 30th edition of Art Brussels, DROME magazine, like every year, will feature the art fair among other exhibitors, but this year it will also be inaugurating its own project space in Brussels – in a candid loft in the centre, that is already the Belgian editorial office of the magazine -, featuring “Not Afraid of Beauty”, a site-specific exhibition curated by The Gallery Apart, Rome.

The international flair that characterizes DROME magazine meets the wish of The Gallery Apart to spread the art of some up-and-coming Italian artists. The result is Not Afraid of Beauty, a group exhibition curated with the aim of presenting the work by Diego Iaia, Luana Perilli and Marco Strappato, as well as to bring up the work carried out so far by the invited gallery, aimed at selecting, supporting and promoting artists who know how to combine deep conceptuality and a strong aesthetic sense.

Founded in Rome in June 2004, directed by Rosanna Gangemi and Stefan Pollak, DROME is a bilingual quarterly magazine (Italian/English) distributed in over twenty-five countries worldwide, with operational seats in Rome, Brussels and Paris, which stands out amongst other publications on the newsstand for its natural inclination to architect and manage always the most diverse cultural events. Enhancing the attractiveness of the already rich scenario of spaces dedicated to contemporary art in the Belgian city, the magazine will be hosting in its brand new project space an exhibition that evokes its Italian origin. Through such key we should interpret and understand the invitation made to The Gallery Apart, a gallery strongly committed to support those artists who, with their propensity to adopt universal languages, aspire to a dialogue as equals with the rest of the global arts community.

It’s the case of the three selected artists, accustomed to work for big projects always supported by a strong conceptual apparatus acting as linking element compared to a natural tendency to the heterogeneity of the used means. The reflection on the role of the artist in the society and on consideration of art as a simulacrum, without the possibility of repeating the real, characterize the research of Diego Iaia.

The domestic setting, which call for a social dimension to recover through the collectivization of the individual sphere, usually accompanies the work of Luana Perilli even when the subject of her research is the world of ants, a symbol of perfect social organization.

The version of the image from every possible point of view (social, political, family, art history or formal construction) is finally the field of investigation of Marco Strappato.

All these three artists share the trend to present their message even with great attention to a formal purity that, beyond the deepest sense of the works, produces aesthetic appeal not surprising and even recalls the common Italian origins. In this meeting of languages ​​and attitudes lives the sense of Not Afraid of Beauty project.

The Gallery Apart operates in Rome since February 2008 as a commercial gallery, heir of a previous cultural project based on nomadism and realization of artistic projects in a different places within the city. In fact, the commitment and the activities of the gallery coincided with that phase of the Renaissance in Rome which is nowadays one of the more vital centers of contemporary art production.

The programming of the gallery focuses on a group of artists of different generations, but with special attention to young artists, their language ​​and their research. In addition to less young artists (Andrea Aquilanti, Gea Casolaro, Myriam Laplante and Fabrizio Passarella), the gallery offers a select group of younger artists (Ferratto Mariana, Diego Iaia, Meital Katz-Minerbo, Florian Neufeldt, Astrid Nippoldt, Luana Perilli, Alessandro Scarabello and Alice Schivardi).

Myriam Laplante

Fondazione Pastificio Cerere Roma

Exhibition Views

Giovedì 10 aprile alle ore 18.00, negli spazi espositivi della Cerere Temporary Gallery si inaugura la mostra personale di Myriam Laplante dal titolo Fata Morgana.
Curata da Lorenzo Benedetti e realizzata da The Gallery Apart grazie all’ospitalità della Fondazione Pastificio Cerere, la mostra riporta Myriam Laplante nella Capitale dopo un periodo che l’ha vista protagonista all’estero in alcuni dei più importanti festival e rassegne dedicati alla performance.
Spesso, i desideri tormentosi del passato e la memoria s’intrecciano.
“In una delle case dove ho vissuto da piccola, nella mia stanza da letto, c’era della carta da parati. La sera, quando bisognava spegnere la luce e non avevo sonno, strofinavo con il dito la carta sul muro vicino al mio letto e il disegno spariva. E lì scorrevano i miei sogni. A volte truci.” (Myriam Laplante)
Per l’occasione l’artista realizza una totale alterazione dello spazio espositivo con una video-installazione onirica che investiga ossessioni martellanti e remote. L’ambientazione è quella dell’Hotel Castello luogo vetusto e vissuto. Le sue stanze sono pregne di memorie e sogni e alcune vicende sospese vi riprendono vita.
Il giorno dell’inaugurazione Myriam Laplante parteciperà alla riemersione degli spettri imprigionati.
La mostra sarà documentata da una pubblicazione.
Il video è stato realizzato da Felice Farina e Nina Lab.

Fabrizio Passarella

Galleria Istituto Italo-Latino Americano Roma

Exhibition Views

Il 4 ottobre 2007 inaugura all’IILA – Istituto Italo-Latino Americano la mostra “¡Ay mi corazón fileteado!” di Fabrizio Passarella, artista tra i più interessanti della pittura d’immagine italiana.
IILA, Ambasciata Argentina e The Gallery Apart hanno unito le forze per dare vita al progetto che verrà presentato, oltre che nelle antiche Scuderie del palazzo, ora spazio espositivo, successivamente anche in Argentina, a Buenos Aires, e in Uruguay, a Montevideo.
La mostra, curata da Irma Arestizábal ed organizzata anche in collaborazione con La Fondazione Cinema per Roma,  si terrà durante la  II edizione di CINEMA. Festa Internazionale di Roma (18 – 27 ottobre 2007)
“¡Ay mi corazón fileteado!” nasce da una fascinazione fulminante verso una cultura ossimorica e meravigliosa come quella sudamericana. L’artista propone una installazione composta da una serie di opere (dipinti su tela o su carta, video, light boxes ed arazzi digitali) derivanti da collages elettronici costruiti con un lavoro di cut&paste nella più pura tradizione del filete porteño  (estrapolato dai tabelloni del tango, dalle insegne di San Telmo e della Boca, dalle fiancate di camion e colectivos strappate all’oblio).
Si tratta di sontuose cornici che contengono i ritratti in bianco e nero, come nella prima televisione, dei protagonisti delle mitologie (soprattutto cinematografiche) pop e colte dell’infanzia e giovinezza dell’autore ma vivi nel cuore e nella memoria di tutti.
Ironico è altresì l’abbinamento fra il personaggio rappresentato e il “dicho” (motto popolare) che Fabrizio Passarella ha inserito con intento concettuale nella  costruzione dell’opera stessa.
“Ho scoperto più tardi” dice l’artista “che il filete (cfr. la decorazione –“a filetto”- porteña)  era stato portato in America Latina agli inizi del Novecento da emigrati siciliani, e mi è sembrato un perfetto atto di feedback: un artista italiano che riprende e rielabora una forma esotica e popolare di decorazione di un Paese lontanissimo, che però ha radici italiane, e la riporta nel suo Paese di origine”.
Il titolo della mostra, poi, come dice sempre l’autore “rimanda ossessivamente al cuore, l’origine di ogni mia azione artistica, e alla caparbietà nel volerne seguire i disegni e le volute: decorazione stessa della vita, in un momento di calcolata ragioneria artistica, ben sapendo che si tratta di una pazzia recidiva, come quella cantata struggenti canzoni di Gardel, Goyeneche, Piazzola, dove si celebrano l’amore, la tragedia, la diversità, la follia, l’eccentricità, la farsa crudele, il volo e la caduta: insomma l’anima romantica (nel senso più completo e mitteleuropeo della parola)” che si ritrova anche nel tango “così vicina alla mia visione.”
La mostra sarà accompagnata da un catalogo che conterrà, oltre alla riproduzione delle opere presentate, un testo del curatore, Irma Arestizábal, (che ha curato, fra l’altro, il padiglione IILA all’ultima Biennale di Venezia) con traduzioni in spagnolo ed inglese.

Luca Viccaro

b>gallery Roma

Exhibition Views

la mostra si snoda, attraverso scultura e fotografia, nei tre ambienti dello spazio espositivo e presenta nella prima stanza la veduta intimista di un tipico motel di provincia in miniatura mentre nella seconda il modello in scala di un basement, ripreso da una camera a circuito chiuso, dentro cui un uomo qualunque pulisce il proprio arsenale privato. Ma ad accoglierci “White Family Tales” un foto-fumetto stampato in tiratura di 1000 copie che narra l’episodio di una famiglia dell’America anni ’50. Luca Viccaro si interroga su temi che caratterizzano in negativo alcune frange di società americana e ne mette a fuoco gli stereotipi riposizionandoli indietro nel tempo, come a voler sottolineare la speranza di intervenire in tempo per salvare una civiltà di cui siamo comunque tutti tributari. Da qui una trilogia di interventi dedicati al commercio del sesso, alla violenza, al razzismo. Come scrive Raffaella Guidobono nel testo che accompagna la mostra “Viccaro ha conosciuto la realtà americana e ne riporta fedele le tracce, i modelli, gli stereotipi casalinghi fino al più minuzioso dettaglio: accorpa modelli generazionali e li traduce nella semplicità di un gesto. I personaggi hanno un ruolo sociale molto ben definito, specchio di esperienze emotive consunte. La complessità non è mai evocata, i contrasti neppure, gli sfoghi sono celati, latenti, tutto il lavoro è pervaso della sensazione imminente di qualcosa di incombente e irrimediabile” ed aggiunge “il lavoro di Luca si svolge a contatto con i personaggi ritratti: ne osserva la fisionomia e come un demiurgo ne cambia i destini. La consacrazione avviene attraverso la stampa di momenti cruciali della giornata. L’artista scava nel profondo di un’estetica che muove i suoi passi tra le suggestioni da American tabloid e una riflessione antropologica. L’immediatezza poetica è sorretta da un database di reminescenze harboiled di fanzine e fumetti come coadiuvanti alla crisi delle ideologie giovanili.” b>gallery prende il testimone della ex Galleria Santa Cecilia. Lo spazio si sviluppa su due piani per una superficie totale di oltre 200 mq. nello storico quartiere romano di Trastevere. Il primo piano è dedicato al bookshop, all’edicola internazionale e al wine bar mentre il secondo è riservato alle esposizioni.

Myriam Laplante

Galleria Nazionale d’Arte Moderna Roma

Images

Nell’ambito della Notte dei Musei 2007 e per la prima volta in Italia e in Europa, Myriam Laplante presenta la sua performance Lupus in Fabula.
Il titolo deriva dalla favola dei fratelli Grimm “Il lupo e i sette capretti”. Nella storia, la mamma capra va a cercare cibo lasciando i suoi capretti soli a casa. Durante la sua assenza, il lupo entra in casa con l’inganno, se li mangia con un solo boccone, e va a sdraiarsi a pancia piena all’orlo del bosco. Al suo rientro, la capra lo trova, gli apre la pancia con dei forbicioni e salva i suoi capretti.
All’inizio, l’installazione consiste in tre grossi lupi di peluche sdraiati per terra con la pancia fremente. Durante la performance di circa un’ora, l’artista squarcia i lupi, ne estrae 45 coniglietti meccanici che vanno a spasso nello spazio, e comincia a costruire un salottino insolito: un tavolino con gli ossi estratti dai corpi dei lupi, un tappeto con le loro pelli e un pouf con i coniglietti dopo averli ammazzati con un grosso martello perché facevano troppo baccano.
L’installazione finale è un salottino. Gli spettatori si siedono sul pouf davanti ad un monitor posto sul tavolino da cui possono rivedere un montaggio di 10 minuti della performance. Lo spettatore è seduto sui resti del massacro, rendendosi complice della carneficina, come coloro che vedono le notizie di guerre e disastri comodamente seduti sul divano di casa, sentendosi distaccati da fatti che succedono lontano. Myriam Laplante, la cui attività di performer è da anni consacrata attraverso la partecipazione a tutti i principali festival di perfomance del mondo, è presente con le sue opere nella collezione della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e della Galleria Comunale d’Arte Contemporanea a Roma, del Musée du Québec, Québec e del Musée National de la Photographie, Ottawa, in Canada. Ha esposto inoltre in numerosi spazi sia in Italia che all’estero quali La Quadriennale e la Fondazione VOLUME! a Roma (in collaborazione con The Gallery Apart), ARCO a Madrid, Annina Nosei Gallery a New York, Galerie de l’UQAM e Galerie d’art Leonard & Bina Ellen, Université Concordia a Montréal.

Andrea Aquilanti

Teatro India Roma

Exhibition Views

Il 4 ottobre inaugura al Teatro India la mostra “Teatro” di Andrea Aquilanti, artista tra i più interessanti dell’attuale scena artistica italiana.
The Gallery Apart, la cui esperienza nasce dall’evoluzione d’una passione collezionistica, e NOTgallery, promotore di un proprio programma curatoriale, hanno unito le forze per dare vita all’innovativo progetto di Andrea Aquilanti.
“ Teatro ” nasce dal preciso intento di proporre un nuovo modo di fruire l’esperienza artistica attraverso una analisi della percezione visiva.
Quotidianamente ci può capitare di vedere un albero e la nostra reazione può essere duplice: possiamo analizzarne le caratteristiche strutturali o possiamo non focalizzare lo sguardo sull’albero ma lasciare che il nostro campo visivo sia pervaso da tutto l’ambiente circostante consentendo così che l’albero “entri” dentro di noi attraverso gli occhi. Nel primo caso compiamo un’azione visiva che ha per scopo una conoscenza analitica della realtà . Nel secondo caso l’azione visiva da’ maggior spazio alla percezione complessiva del reale.
Che cosa accade quando le due forme di percezione ed interpretazione sono proposte simultaneamente? E’ la domanda che pone e si pone Andrea Aquilanti con la sua installazione al Teatro India.
L’artista propone una installazione che opera uno “sfondamento virtuale” di tre arcate di uno degli edifici di archeologia industriale del Teatro India, portando lo spettatore a  considerare l’edificio in rapporto al paesaggio circostante.
Sulle due arcate laterali un video proietterà  in tempo reale le porzioni del paesaggio alle spalle delle arcate stesse. La proiezione sarà  sovrapposta al disegno dello stesso paesaggio realizzato dall’artista sulle pareti. Nell’arcata centrale invece il disegno resterà  l’unico protagonista.
Andrea Aquilanti ha scelto di costruire pi๠che una installazione, una vera e propria esperienza artistica e visiva che tenti di generare nell’osservatore un’anomalia percettiva, sovraccaricandolo di informazioni simili ma del tutto differenti.
I due diversi modi di vedere il disegno e il video corrispondono infatti ad una diversa azione dell’apparato visivo e ai differenti modi che hanno i due emisferi cerebrali di interpretare le informazioni che provengono dalla vista.
Il fatto di operare all’interno di un contesto teatrale da’ inoltre all’opera di Aquilanti la valenza di una riflessione sulla storia della scenografia e della sperimentazione di un modello di scenografia teatrale del futuro: modello che recupera con l’ausilio delle nuove tecnologie, l’antica matrice paesaggistica abbandonata nel corso dei secoli, quando molti generi di intrattenimento teatrale furono progressivamente spostati dai giardini delle corti signorili in ambienti interni ai palazzi, sostituendo lo sfondo reale del paesaggio con la scenografia dipinta.
In questa ottica, e per il solo giorno dell’inaugurazione, Filippo Timi reciterà  un testo appositamente concepito per l’occasione da Marco Lodoli.
 La mostra realizzata in collaborazione con Teatro di Roma, sarà  accompagnata da un catalogo che, oltre al citato intervento di Marco Lodoli, conterrà  un testo del curatore, Alessandra Maria Sette, ed avrà  in allegato un piccolo trattato di scenografia teatrale contemporanea a cura di Marco Izzolino.

Mariana Ferratto, Luana Perilli, Luca Viccaro

Fondazione Pastificio Cerere Roma

Exhibition Views

Giovedì 20 ottobre alle ore 18, negli spazi della Fondazione Pastificio Cerere di Roma si inaugura Why?, curata da Cecilia Casorati.
La mostra, promossa ed organizzata da the gallery apart, sfrutta la felice configurazione degli ambienti della Fondazione per presentare, nella forma di altrettante piccole personali, il lavoro di tre giovanissimi artisti: Mariana Ferratto, Luana Perilli e Luca Viccaro.
Le opere, progettate appositamente per la mostra, pur nella loro diversità, evidenziano un segno comune nell’utilizzo di un linguaggio “leggero” e volutamente ironico.
Come scrive Cecilia Casorati nel catalogo edito da Johan & Levi: “La qualità più immediata e avvincente del lavoro di Mariana Ferratto, Luana Perilli e Luca Viccaro  è proprio l’ironia”.  Ridere è una comodità rara nel campo dell’arte, perché si presume che l’ironia o il semplice umorismo siano qualcosa di opposto all’importanza e alla “serietà” del fare arte; un mito che questi artisti, insieme a pochi altri della loro generazione o di quelle precedenti cercano di sfatare. Grazie a uno sguardo leggero, all’esagerazione umoristica  e all’apparente (e spettacolare) mancanza di significati forti, le opere di Ferratto, Perilli e Viccaro si presentano come dei luoghi comodi e accoglienti, nei quali è possibile addirittura divertirsi. Benché il divertimento e l’ironia siano, probabilmente, gli elementi che colpiscono inizialmente lo spettatore, non sono da considerarsi il fine della ricerca dei tre giovani artisti, ma piuttosto un mezzo privilegiato che permette di esprimere – e mostrare – lievemente la relazione con il mondo, focalizzando le inquietudini, i dubbi e persino i disagi.”
Mariana Ferratto presenterà la sua produzione video, Luana Perilli una video installazione e diverse sculture, Luca Viccaro light boxes, foto e una scultura.

Myriam Laplante

Volume! Roma

Exhibition Views

Spazio e corpo sono i presupposti che si amalgamano nella mostra Elisir ideata dall’artista e performer canadese Myriam Laplante. Tenendo conto delle caratteristiche particolari che lo spazio no-profit “Volume!” offre, Myriam Laplante ha realizzato una installazione che ha alterato la sua volumetria. Lo spazio, infatti, è divenuto una sorta di inedito laboratorio di ricerca sulla modificazione genetica in cui uno scienziato solitario sperimenta la propria follia manipolatoria. In un set perturbante e teatrale, la mostra Elisir vuole offrire lo spunto per riflettere sui temi della manipolazione genetica come metafora della mistificazione mediale e dei condizionamenti psichici. Lo spirito con cui l’artista propone questo “teatrino della follia sperimentale” ripercorre in parte temi da lei già indagati in passato, intorno ai meccanismi del controllo e della coercizione sociale centralizzati.
In questa nuova installazione l’elaborazione dei temi è attivata dall’artista attraverso l’assunzione di un linguaggio paradossale. La stessa performance che la Laplante inscenerà durante il vernissage tende a esasperare l’assunto iniziale attraverso una ilare reificazione delle mostruosità genetiche.
Le fasi progettuali della mostra saranno illustrate in una pubblicazione, in preparazione, che conterrà una conversazione con l’artista di Lorenzo Benedetti e un testo di Teresa Macrì.La mostra è organizzata da VOLUME ! in collaborazione con THE GALLERY APART.

Fabrizio Passarella

D’AC Galleria Comunale d’Arte
Contemporanea di Ciampino

Exhibition Views

La stagione espositiva della D’AC prosegue con la singolare mostra
“Ex-statica” di Fabrizio Passarella, artista inserito a pieno titolo tra gli esponenti della nuova pittura d’immagine italiana.
Dopo la partecipazione alla prestigiosa esposizione internazionale “Futuro Italiano”, tenutasi al Parlamento Europeo di Bruxelles, Passarella crea per la D’AC una vera e propria maxi-installazione di 5 grandi arazzi digitali e un grande dipinto.
Gli arazzi verranno installati , in sequenza, come un passaggio tra un velo iniziatico e l’altro, come schermi sottili, dove campi di forza estetica ed estatica suggeriscono “uscite dal mondo” di differente qualità ma di uguale natura. (Mistici come Ramakrishna assicurano di aver raggiunto la divinità attraverso la pratica di ogni differente religione).
Il repertorio iconografico, organizzato secondo lo schema del mandala (di origine orientale, ma comune a tutte le culture), è eterogeneo e desunto, infatti, dalle principali religioni: divinità e simboli del Buddismo, Islamismo, Cristianesimo, Induismo, ed Ebraismo, convivono con oggetti e forme appartenenti alla realtà quotidiana sino a formare veri e propri assemblaggi di immagini assolutamente contemporanei – un gioioso caleidoscopio hindu, una dolorosa vertigine cristica ecc.
Il risultato costituisce una fusione armonica di forme apparentemente lontane come, ad esempio, quella di una molecola accostata alla divinità Indù, ma poi profondamente collegate da una storia simbolica comune. Gli assemblaggi di Passarella, infatti, non sono casuali e composti secondo una logica puramente estetica, ma vivono di una riflessione sul significato profondo del percorso simbolico che porta alla definizione formale dell’Icona.
A fare da sintesi, un grande quadro, in cui la pittura segue la traccia digitale e la ritrasforma attraverso l’apporto manuale, secondo la particolare ricerca, ormai pluriennale, dell’artista. In esso gli elementi focali di ogni arazzo sono riassemblati in un nuovo mandala che unisce e ricompone i diversi sentieri per giungere al centro, al cuore, rappresentato nella sua forma più reale e “sanguinante” a dispetto dei diagrammi simbolici. Il cuore come fulcro del mandala corporale e dell’esperienza fisica di ognuno, in cui il personalissimo e l’impersonale si fondono e convivono, come ci hanno insegnato le grandi figure mistiche: Santa Teresa e Sant’Ignazio, Rumi e Rabi’a, Kabir e Mira, per citarne alcune. Poiché “il cuore che ti batte in petto non è solo il tuo cuore: è un sole microcosmico, un universo di tutte le esperienze possibili che non sono proprietà esclusiva di nessuno” (J. Hillman) – la pompa, l’occhio e l’anima del mondo.
La mostra è a cura di Tiziana D’Acchille.
Catalogo con testi di Tiziana D’Acchille, Lorenzo Canova e Massimo Canevacci. 

Fabrizio Passarella

Studio Andrea Gobbi Roma

Exhibition Views

Lo Studio Andrea Gobbi inaugura la stagione espositiva con la personale dell’artista bolognese Fabrizio Passarella. A due anni dalla retrospettiva dedicatagli dalla Temple University rome, Passarella torna nella capitale per presentare BOLLYMOOD, un progetto che raccoglie le idee, gli spunti e le ispirazioni di oltre un anno di lavoro e di approfondimento su suggestioni che da sempre accompagnano il cammino dell’artista, che ha fatto del confronto interculturale lo strumento privilegiato per conseguire il massimo grado di conoscenza e di consapevolezza del proprio essere e della società in cui si colloca.

BOLLYMOOD richiama le due più imponenti industrie cinematografiche del pianeta, quella americana di Hollywood e quella indiana di Bombay, ciascuna specchio di culture apparentemente distanti ed inconciliabili, ma in realtà entrambe fonti di icone universali in grado di toccare sensibilità ad ogni latitudine, tanto da spingere ogni società a crearsi il proprio firmamento di stelle e di sogni. Come scrive Gianluca Marziani, Passarella si dimostra “artista filmico capace di inventare icone perfezionate che contengono uno scorcio narrativo dietro ogni singola immagine. La sua figurazione è così finzione sopra la finzione per richiamare i lati impossibili del cinema. E inventarsi derive visuali che montano scene e dettagli in uno sguardo bidimensionale ma architettonico. (…) Passarella tramuta la sua pittura in un montaggio dissonante ma intonato, (…) dispone i volti divistici (Marlene Dietrich, Anna Magnani, Montgomery Clift, Brigitte Bardot, Totò, Gina Lollobrigida, Sophia Loren, Rita Hayworth, Marcello Mastroianni…) assieme a scritte di varia provenienza, pubblicità, immagini retoriche da cartolina, animali, fiori erotici, illustrazioni popolari, teschi, gemme preziose, esili feticci, buste del thè, frutti aperti, strumenti musicali”.

Fabrizio Passarella è nato a Contarina (RO) nel 1953 e vive e lavora a Bologna. Dal 1983, anno della prima personale, ha esposto in gallerie private e in spazi pubblici e museali in Europa e nel Medio Oriente. Tra le principali mostre personali, L’Immagine elettronica, GAM Bologna, 1985; Itinerari, Musei civici di Reggio Emilia, 1995; La luna, la croce, la stella, Palazzo Fizzarotti Bari, 1995; Worlds in small room 1981-2001, Temple University Rome 2001; nonché le mostre presso le Gallerie Inga Pin di Milano, Studio Cristofori di Bologna, Studio Carbone di Torino, Ruggerini e Zonca di Milano, Placentia di Piacenza.

Tra le mostre collettive, da ricordare Italia 90, Ipotesi arte giovane Fabbrica del Vapore Milano, 1990; AnniNovanta GAM Bologna, 1991; Medialismi, Villa d’Este, Tivoli, 1992; Medialismo, Trevi Flash Art Museum 1993; Così lontano così vicino, Pinacoteca provinciale di Bari, 1994; Icastica, Galleria Comunale d’Atre Moderna di Bologna, 1994; Ritratto Autoritratto, Trevi Flash Art Museum 1994; XII Quadriennale di Roma 1996; Arte italiana Ultimi quarant’anni, GAM Bolagna 1998; Effimera, Villa delle Rose Bologna, 2002 .