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Bird Works (2018-2024)

Chto Delat

08.03.2024 – 04.05.2024

Exhibition views

*Bird Works (2018 – 2024)*, 2024, installation view at The Gallery Apart Rome (ground floor), photo by Eleonora Cerri Pecorella

Works

*1939 Picasso from the series of *Catalogo degli uccelli*,* 2023, acrylic on canvas, 125 x 210 cm

*To Whom The Bell Tolls from the series* of *Catalogo degli uccelli*, 2023, acrylic on canvas, 148 x 210 cm

*Helicopters (Valchirie)* from the series of *Catalogo degli uccelli ,* 2024, acrylic on canvas, 200 x 210 cm

*The class of Political Magic,* 2023, mixed media, 59 x 59 x 145 cm

*The class of Celestial Hardwood study,* 2023, mixed media, 55 x 55 x 159 cm

*The class of External Environment study,* 2023, mixed media, 60 x 81x 140 cm

*After we left,* 2023, mixed media, 79 x 58 x 127 cm

*Untitled ( from the series: Il Catalogo degli Uccelli),* 2022 – on going, mixed techniques, various dimensions

*The screens. On the margins*, 2020, digital prints on artificial satin, hand drawing with acrylic, double-sided, wooden frame, graphics by Evgeny Antonov, 180 x 90

*Piatti pronti per Pasolini* ,2022 – on going, found objects, mixed collage, mixed technique, various dimensions

*Strange Birds of Pedion*, 2018, texile, 360 x 170 cm

*Canary Archive*, 2023, charcoal mosaics (with the artistic and technical assistance of Ada Abudrushevich), 60 x 90 cm

The Gallery Apart is proud to host the third solo show of internationally renowned collective Chto Delat in Rome. A collective of artists, pedagogues, philosophers, and poets, originally from Russia and currently in exile, with the exhibition Bird Works (2018-2024) Chto Delat will mark the 20 years of their existence and the 10 years of their School of Engaged Art in St.-Petersburg, now transformed into the School of Emergencies.

Bird Works (2018-2024) is composed as a beadwork that weaves together pieces created by Chto Delat in the past six years, a time that saw the outbreak of a pandemic, the explosion of wars in many places, and growing escalation of climate disasters. Each of these pieces is like a bird with its own shape, plumage and they are whistling, tweeting, or crying out a story. At times frightening and nightmarish, often absurd and ironic, these birds/ works render an estranged and yet engaged look at life, in rapidly changing and terrifying scenarios, yet offering some signals of hope in our hopelessness.

The exhibition is inhabited by a variety of birds, real, mythological or imaginary. Birds have always been a symbol of independence, dignity, liberty, fidelity, peace, love… Their migration sees no borders; their singing is music and it is a language; their ability of learning from each other teaches about cohabitation and survival. But some humans hold unexplainable unconscious fear of birds (best shown at The Birds directed by Alfred Hitchcock). And some birds are prey while some are predators. Birds really work hard for survival. Yet in fact there are not so many among their species that are domesticated or can be exploited by humans. Pigeons as delivery workers; chicken and turkey in the food sector; canaries for entertainment, scientific research, and security.

You will be welcomed into The Gallery Apart by the Strange Birds of Pedion (2018), a series of large textile works originally installed by Chto Delat in Pedion Park, Athens, close to where the avant garde theater founded by director Karolos Koun used to be. His version of Aristophanes’s Birds was banned by the Colonels’ Regime, and he faced repressions throughout the period of the dictatorship. Chto Delat’s Strange Birds echoed this history of both oppression and ways of resistance through political and popular art.

In the ground floor of the gallery several more recent pieces populate the space: The screens. On the margins (2021) a display of catastrophic graphs on separee-like structures echoed by the video Inside Diagrams (2023) where Chto Delat members performing and embodying those graphs; Education which lost home (2023) with models of phantasmatic dystopian classrooms, reflecting on the (im)possible futures of radical pedagogies; and finally Il Catalogo degli uccelli (started in 2022), a large ongoing series of graphics, collages, paintings and objects on what an artist born in the late soviet era can learn from birds.

Moving to the lower level of the gallery, an immersive installation which includes film and charcoal mosaics is dedicated to canary birds, and their risky job. Apart from the fact that this species, exotic for the European colonizers, have been domesticated for their special performative talents. Apart from the fact that canaries are helpful in neurogenesis studies to analyze the ability of the adult brain to readapt, transform, learn. Canaries have also been famously deployed in coal mines, where they forewarned the mine workers of the dangerous increase of carbon monoxide. Often embraced by Chto Delat as emblematic to the anthropocentric relationship and the disconnect of humans from the rest of the natural world, this body of work also speaks about the necessary interconnectedness between species and the need to reactivate sensory perception in the face of threat.

The metaphor once became famous became central in the video piece Canary Archive (2022) that the group composed in response to the Russian invasion of Ukraine.

Will the canary alert us in time if the danger approaches? Will we be ready to recognise the signal? And where is the exit from the mineshaft?

The Gallery Apart è orgogliosa di ospitare la terza mostra personale di Chto Delat. Celebre collettivo interdisciplinare di artisti, pedagoghi, filosofi e poeti russi, attualmente in gran parte in esilio, con la mostra Bird Works (2018 – 2024) Chto Delat celebra i 20 anni della sua esistenza e i 10 anni della School of Engaged Art a San Pietroburgo (ora School of Emergencies).

Bird Works è come un filo di perle in cui si intrecciano le opere realizzate da Chto Delat negli ultimi sei anni, un periodo drammatico che ha visto l’esplosione di una pandemia di guerre in diversi territori, e l’escalation di disastri climatici.

La mostra è abitata da una varietà di uccelli, reali, mitologici o immaginari. Gli uccelli sono sempre stati un simbolo di indipendenza, dignità, libertà, fedeltà, pace, amore. La loro migrazione non conosce confini, il loro canto è musica, è un linguaggio complesso che consente loro di imparare gli uni dagli altri, e insegnandoci che la sopravvivenza si basa sulla convivenza. Eppure gli esseri umani hanno un’inconscia e inspiegabile paura degli uccelli (come illustrato al meglio da Alfred Hitchcock nel suo film Gli uccelli). Alcuni uccelli sono prede e altri sono predatori. La loro sopravvivenza e’ un duro lavoro. Sono poche le specie assoggettate all’uomo, con l’eccezione dei piccioni viaggiatori impiegati nel settore dei servizi di consegna, polli e tacchini nel settore di alimentazione, canarini nell’intrattenimento, nella ricerca scientifica e anche nel servizio di sicurezza.

In questa mostra, ogni opera è come un uccello che con la sua forma e il suo piumaggio cinguetta, fischia o urla la sua storia. Ci troviamo circondati da opere-uccelli, a volte spaventose e come se emergessero da un incubo, altre assurde e ironiche. Ci offrono uno sguardo straniante sulla vita, e qualche barlume di speranza nonostante gli scenari inquietanti su scala planetaria, e i momenti di disperazione delle nostre esperienze soggettive.

Arrivando in galleria si viene accolti da Strange Birds of Pedion (2018), una serie di grandi opere tessili create originariamente da Chto Delat per il Parco Pedion ad Atene, vicino al teatro d’avanguardia fondato da Karolos Koun. La sua versione de Gli uccelli di Aristofane fu bandita dal Regime dei Colonnelli e durante la dittatura il regista subì una pesante repressione. Strange Birds fa eco a questa storia di oppressione e ricorre alla tradizione dell’arte politica e popolare come forma di resistenza.

Al piano terra della galleria si trovano opere realizzate recentemente: The screens. On the margins (2021), una serie di oggetti e di grafiche sul tema della catastrofe, a cui risponde il video Inside Diagrams (2023) dove i membri del collettivo impersonificano alcuni di questi scenari. Education which lost home (2023), una riflessione distopica sui futuri (im)possibili delle pedagogie radicali, ci conduce dentro aule immaginarie; e infine, Il Catalogo degli uccelli (2022–in corso), un grande assemblage di lavori grafici, collage, dipinti e oggetti che riassumono quello che “un artista nato alla fine dell’era sovietica può imparare dagli uccelli”.

Al piano inferiore della galleria, un’installazione immersiva include film e mosaici realizzati con carbone,dedicata ai canarini e al loro utilizzo nelle miniere. Questa specie, esotica per i colonizzatori europei, è stata oggetto di interesse per il suo speciale talento performativo; analizzati negli studi neurogenetici che hanno messo in evidenza le loro abilità adattative e conoscitive, i canarini sono stati impiegati nelle miniere di carbone per dare l’allarme in caso di aumento di monossido di carbonio.

Il canarino rappresenta per Chto Delat l’emblema della relazione antropocentrica e della disconnessione degli esseri umani dal resto del mondo naturale; il corpus di opere Bird Works intende evidenziare la necessaria interdipendenza tra le specie e l’urgenza di riattivare la nostra percezione sensoriale di fronte al pericolo. La metafora diventa centrale nel video Canary Archive (2022) che il gruppo ha creato in risposta all’invasione russa dell’Ucraina.

Saremo avvisati in tempo dal canarino quando il pericolo si avvicina?

Saremo pronti a riconoscere il segnale?

A ritrovare l’uscita dalla miniera?

New kinetic melodies: on miracles, disasters and mutations for the future

Chto Delat

21.06.2021 – 22.10.2021

Exhibition Views

*New kinetic melodies: on miracles, disasters and mutations for the future*, 2021, installation view at The Gallery Apart, Rome (ground floor), photo by Giorgio Benni

Works

*Learning Station #1, ‘The School of Roza’,* 2021, wooden assemblage, textile, acrylic (realized by Nikolay Oleynikov) and video *The New Deadline #17. Summer School of Slow Orientation in Zapatism*, 2017, 90 min., loop (directed by Tsaplya Olga Egorova), photo by Giorgio Benni

After almost three years, the Russian collective Chto Delat (What is to be done?) return to the The Gallery Apart with their new show New kinetic melodies: on miracles, disasters and mutations for the future. The project depicts the urge of the artists to respond to the current changes in an ever-evolving world. The tryptic Slow Learning by Zapatista is exhibited for the first time in its entirety; it is composed of three video installations shot from 2017 to 2021: The New Dead End Street. Summer School of Slow Orientation in Zapatism, (Russia, 2017); People of Flour, Water and Salt (Italy, 2019); About the footprints, what we hide in the pockets and other shadows of hope. (Greece, 2021).

The first film was shot together with a community of young Russian artists in a village near Saint Petersburg, the second film was realized with a community of migrants and refuges in the south of Italy, and the third film in collaboration with the Solidarity School in Athens. Invited for the solo show at MUAC museum in Mexico in 2017, in the wake of this journey, Chto Delat began to investigate the influence of the zapatistas ideas of social transformation outside Chiapas and to explore how these ideals might me perceived and practiced in settings outside of their original environment, and therefore how these imaginaries could mould a new reality in the contemporary world characterized by such profound and abrupt political, social and economic mutations.

Tsaplya Olga Egorova once wrote – paraphrasing Godard’s invitation “to make films politically” – that making a film zapatistically it does not mean making a film about the Zapatista movement, but instead, it means making a film that arises from the Zapatista methods themselves. It means to reinterpret and bring together fundamental principles such as equality and weakness as a means through which conquering strength. Moreover, another typical trait of the movement is dealing with the global issues with a look from below. Indeed, for the Zapatistas, the world seen from above is so small that nothing fits in other than injustice; but if seen from below, the world appears so vast and spacious to have room for justice, and everyone’s ideas and thoughts indiscriminately. Zapatistas use text and art, as a main weapon to create new poetic language that undermine the customary structures of our world through the narration of fairy tales and metaphors. This is what Chto Delat do in their trilogy that is about belonging to the land, hospitality, and the miracle.

The installation of the films is realized in the form of different wooden hand painted construction which looks like as hybrid between school table, moving wagon, or table for microfilms. It also includes a system of flag signs which are symbolizing different demands written in a special poetic language using Zapatista method of narration which combines affirmation and negation.

In the exposition will be also shown a newest video installation commissioned in March by Garage Museum, Moscow Six Kinetic Melodies for a Required Future. Shot in 2021 despite the pandemic and the arrests. It narrates the story of a utopian laboratory where the protagonists are both scientists and test subjects, aiming to develop new forms of of automatic social behaviour for surviving. The original idea for the work, conceived in the summer 2020, has undergone an unpredictable transformation due to the latest events which Chto Delat explore through the creation of an almost autobiographical film. As a result of a collective effort, mutual discussions and bodily practices, the scenario explores the adaptation to a changing social and biological life which is dramatically transformed by pandemic and current political repression in Russia.

The film is supplemented with an interactive installation: the virtual backgrounds featured in the film in the “windows” of the six protagonists turn out to be retractable curtains, behind which an “exit” into the surrounding reality is concealed, just like in Martha Rosler’s series of anti-war collages House Beautiful: Bringing the War Home. The curtains are movable and behind them one can see different viral photos of different documents depicting new frightening reality of last year events – like pollutions, the queue of ambulances, police cordoning the cities during political rallies, the interiors of police car to transport the prisoners, military drons and so on. There is a ornamental text made of artificial flowers over photographs. These ornaments are based on the numbers of a new repressive laws recently implemented in Russia. All this works presented in the show allow to create new forms of narration giving life to kinetic melodies useful for our future life.

A distanza di quasi tre anni il collettivo russo Chto Delat (What is to be done?) torna ad esporre negli spazi di The Gallery Apart con la mostra Nuove melodie cinetiche: su miracoli, disastri e mutazioni per il futuro. Il progetto illustra al meglio l’urgenza degli artisti di rispondere ai cambiamenti in atto in un mondo in continua trasformazione. Per la prima volta viene integralmente esposto il trittico Slow Learning by Zapatista, composto da tre film girati dal 2017 al 2021: New Dead End Street. Summer School of Slow Orientation in Zapatism, (Russia, 2017); Gente di farina, acqua e sale (Italia, 2019); About the footprints, what we hide in the pockets and other shadows of hope. (Grecia, 2021).

Il primo film è stato realizzato con una comunità di giovani artisti russi in un villaggio vicino a San Pietroburgo, il secondo con una comunità di migranti e rifugiati nel sud d’Italia e il terzo in collaborazione con la Scuola di Solidarietà di Atene. Invitati nel 2017 in Messico per una personale al Museo MUAC, all’indomani del loro viaggio nel paese Chto Delat ha iniziato a indagare l’influenza delle idee zapatiste di trasformazione sociale al di fuori del Chiapas e su come cioè tali ideali potrebbero essere percepite e messe in pratica in contesti lontani dal loro ambiente d’origine. In che modo, quindi, questi immaginari potrebbero plasmare una nuova realtà nel mondo contemporaneo caratterizzato da così profonde e repentine mutazioni politiche, sociali ed economiche.

Tsaplya Olga Egorova una volta scrisse, parafrasando l’invito di Godard “a fare film politicamente”, che girare un film zapatisticamente non significa fare un film sul movimento zapatista, ma piuttosto fare un film che nasce dai metodi zapatisti stessi. Significa rielaborare e combinare principi fondamentali come l’uguaglianza e la debolezza come mezzo attraverso cui conquistare la forza. Tipico della dottrina è affrontare i problemi del mondo con uno sguardo dal basso. In effetti, per gli zapatisti il mondo visto dall’alto è talmente piccolo che nulla si adatta ad esso se non l’ingiustizia, visto dal basso, invece, il mondo appare così ampio da poter contenere la giustizia, le opinioni e i pensieri di tutti indistintamente. Gli zapatisti, inoltre, utilizzano la parola attraverso l’arte e i testi scritti come arma principale grazie alla quale è possibile creare metafore che minano le strutture consuete del nostro mondo attraverso la narrazione di fiabe e metafore. È ciò che fa Chto Delat nella sua trilogia che parla, appunto, di appartenenza alla terra, ospitalità e di miracolo.

L’installazione dei film è realizzata sotto forma di diverse costruzioni in legno dipinte a mano che sembrano ibridi tra tavoli da scuola, carri mobile o tavoli per microfilm. Include anche un sistema di segnali per mezzo di bandiere che simboleggiano diverse richieste scritte in un linguaggio poetico speciale usando il metodo zapatista di narrazione che combina affermazione e negazione.

Sarà in mostra anche l’ultima video-installazione Six Kinetic Melodies for a Required Future, commissionata in marzo da Garage Museum di Mosca. Il film, girato nel corso del 2021 nonostante pandemia e arresti, narra la storia di un laboratorio utopico in cui i protagonisti sono contemporaneamente scienziati e cavie, con l’obiettivo di sviluppare nuove forme di comportamento sociale automatico per la sopravvivenza. L’idea originale dell’opera, concepita nell’estate del 2020, ha subito una trasformazione imprevedibile dovuta dagli eventi degli ultimi tempi su cui i membri di Chto Delat riflettono attraverso un film quasi autobiografico. Frutto di uno sforzo collettivo, discussioni reciproche e pratiche corporee, lo scenario esplora l’adattamento a una vita sociale e biologica che è stata drammaticamente trasformata dalla pandemia e dall’attuale repressione politica in Russia.

Il film è completato da un’installazione interattiva: gli sfondi virtuali presenti nel film nelle “finestre” dei sei protagonisti si trasformano in tende retrattili, dietro le quali si nasconde una “uscita” nella realtà circostante, proprio come nella serie di collage antibellici di Martha Rosler House Beautiful: Bringing the War Home. Le tende sono mobili e dietro di loro si possono vedere foto virali di diversi documenti che raffigurano una nuova spaventosa realtà degli eventi dello scorso anno – come gli inquinamenti, la coda di ambulanze, la polizia che circonda le città durante i raduni politici, gli interni dell’auto della polizia per trasportare i prigionieri, i militari e così via. Un testo ornamentale fatto di fiori artificiali è posto sopra le fotografie. Questi ornamenti si basano sul numero di una nuova legge repressiva recentemente introdotta in Russia. Tutti questi lavori presentati in mostra consentono di creare nuove forme di narrazione in grado di dare vita a melodie cinetiche utili e alla base della nostra vita futura.

COME IN QUICKLY, OTHERWISE I’M AFRAID OF MY HAPPINESS! XENIA AT THE TIME OF WAR

Chto Delat and Babi Badalov

18.09.2018 – 23.11.2018

Exhibition Views

Chto Delat and Babi Badalov, COME IN QUICKLY, OTHERWISE I’M AFRAID OF MY HAPPINESS! XENIA AT THE TIME OF WAR, installation view, photo Giorgio Benni

Works

Chto Delat. … and millions more who’s names remain unknown #2. POP-UP Monuments , 2018, mixed media, life size, photo Giorgio Benni

The law of hospitality opens up the possibility for contamination in that it calls for no governing body
such as a sovereign state or master of a home to establish laws and authority over another subject.
The state or master retains the capacity to be overthrown.
Most importantly, we must embrace hospitality as an interruption, an interruption of the self.
(from: Interruptions: Derrida and Hospitality di Mark W. Westmoreland)

The Gallery Apart is proud to present Come in quickly, otherwise I’m afraid of my happiness! Xenia at the time of war. Four years after their participation in the exhibition Subterfuge, the art collective Chto Delat (What is to be done?) from Petersburg, will return with a new exhibition hosted in the gallery spaces, this time along with Babi Badalov, artist nomad, currently based in Paris and the close friend of the collective who used to live in St. Petersburg in the Nineties and who share important artistic inspirations with Chto Delat since then.
Founded in 2003 by a group of artists, critics, philosophers ad writers engaged in political theory, art, and activism, Chto Delat takes its name from a novel by the writer Nikolai Chernyshevsky, which later also inspired the title for Lenin’s own publication, in which he outlined the organizational structure and strategy of the revolutionary party. In this view, Chto Delat sees itself as an artistic cell committed to a variety of cultural activities aimed at “knowledge production”. The collective exploits a range of media, from video and theater plays, to radio programmes and mural paintings. Their artworks are characterized by the use of estrangement effects, surreal scenery, the analysis of study cases involving concrete social and political struggles.
Visual artist and a poet, Babi Badalov expresses his art though visual poetry, sculptures, installations and live performances. His practice is mostly focused on language, on the linguistic explorations researching the limits and borders of language, on the personal experiences with foreign languages, both written and spoken, and on the possible overlapping of meanings and connections. Badalov’s art also explores language in order to emphasize key geopolitical issues.
Come in quickly, otherwise I’m afraid of my happiness! Xenia at the time of war is a reflection upon the concept of hospitality, so relevant and close to our everyday life and, at the same time, rich in profound and contradictory meanings with which also art and philosophy have to deal, particularly in the current historical phase of radicalization of the use, and of the definition itself, of the public space due to the so called “refugee crisis”. Taken from the novel The Laws of Hospitality by Pierre Klossowski, the first sentence of the exhibition’s title makes a reference to Xenia, the ancient Greek concept of hospitality, infused with generosity and courtesy.
Chto Delat and Babi Badalov investigate the shifts in meaning of the word “hospitality” as a result of the emergence of new technologies and strategies to acquire power and advance on the road to progress, strategies that seem to abandon the previous guidelines and the politics of commonality. The only hospitality known in the western world has always been subject to conditions based on rights, duties, obligations, etc. Disputes constantly arise regarding the legal and judicial aspects as well as the military actions aimed at limiting a phenomenon that “common” citizens, influenced by the media-induced mass hysteria, end up to consider a growing threat to their houses, to public order, the respect of the laws, and to what is called “civilization”.
Therein lies a partial truth, as we learned from philosophy that even a strictly regulated protocol of hospitality inevitably results in a threat of unconditional hospitality (those who host open themselves up to new experiences and, sweeping away the old laws, they become guest in their own house). However, at the same time, there is less debate about the utopia of the old European militants who imagined migrants / aliens / guests as a revolutionary force able to sweep away the law to establish a new communist world together with the liberated “host / master”. Few people are able to draw inspiration from such visions; today, the aim is to preserve the remnants of a basic humanism to provide unconditional support to those who need it.

The exhibition is a reflection of the moment when the remnants of the utopia merge with a bitter sense of lostness. And it is a reflection on the concept of hospitality, as a metaphor for openness to the new and the unexplored – an openness to the “virus” that may lead to danger or to salvation. In the radicalization of this idea, the theological component of faith – the belief in the possibility of transformation – is crucial.
The exhibition is structured around three films, shot by Chto Delat between 2011 and 2016, which depict in different ways the moment of seeking refuge, the protection from a menacing reality. Each of the three films is tragic in their own way. They do not give advice to those in search of salvation, but instead they affirm realistically that we are stripped of this condition of security and that it is necessary to open to a new situation. Only if faced with an unsolvable conflict, we are able to find a possibility of transformation. The graphic and textile artworks by Babi Badalov and Nikolay Oleynikov also reflect on the same topics creating independent spaces to interpret the phenomenon of hospitality between law and lawlessness. Gluklya Natalia Pershina-Jakimanskaya presents a group of delicate watercolors and drawings which come from a work that she is doing with the refugee community since 2012. Gluklya’s works are exhibited and sold (part of the income will go to Associations devoted to hospitality) together with works made by refugees. They are part of a broader program of shared projects which produced videos, textile works (Сonceptual Сlothes) and performances.

La legge dell’ospitalità schiude la possibilità di contaminazione in quanto non richiede che un
organo di governo come uno stato sovrano o il padrone di una casa stabilisca leggi e autorità su un altro soggetto.
Lo stato o il master conserva la capacità di essere rovesciato.
Soprattutto, dobbiamo abbracciare l’ospitalità come un’interruzione, un’interruzione del sé.
(da: Interruptions: Derrida and Hospitality di Mark W. Westmoreland)

The Gallery Apart è orgogliosa di presentare Come in quickly, otherwise I’m afraid of my happiness! Xenia at the time of war. A quattro anni dalla loro partecipazione alla mostra Subterfuge, il collettivo pietroburghese Chto Delat (Che fare?), torna ad esporre negli spazi della galleria, questa volta insieme a Babi Badalov, artista nomade attualmente di stanza a Parigi, amico intimo del collettivo che negli anni Novanta ha vissuto a San Pietroburgo condividendo sin da allora importanti ispirazioni artistiche con Chto Delat.
Fondato nel 2003 da un gruppo di artisti, critici, filosofi e scrittori impegnati ad affrontare temi attinenti la politologia, l’arte e l’attivismo , Chto Delat mutua il nome dall’omonimo romanzo di Nikolai Chernyshevsky, titolo successivamente adottato anche da Lenin per il suo celebre testo in cui viene delineata la teoria organizzativa e la strategia del partito rivoluzionario del proletariato. In quest’ottica, Chto Delat si propone quale cellula artistica votata a diverse tipologie di attività culturali e di produzione di conoscenza. Il collettivo adotta diversi media, dai video alle rappresentazioni teatrali, ai programmi radiofonici, alle pitture murali. Le loro opere sono caratterizzate dall’uso di effetti spaesanti, da scenari surreali, dall’analisi di casi di studio che coinvolgono concrete battaglie sociali e politiche.
Artista visuale e poeta, Babi Badalov si esprime attraverso interventi di poesia visiva, sculture, installazioni e performance. Il suo lavoro è focalizzato sul linguaggio, sui suoi limiti e confini, sulle personali esperienze con lingue straniere scritte e parlate e sulle possibili sovrapposizioni di nessi e significati. Il linguaggio viene altresì indagato da Badalov come strumento attraverso cui enfatizzare grandi questioni geopolitiche.
Come in quickly, otherwise I’m afraid of my happiness! Xenia at the time of war è una riflessione sul concetto di ospitalità, così vicino alla quotidianità di ciascuno e nel contempo ricco di significati profondi e contraddittori con cui arte e filosofia devono confrontarsi, ancor più nell’attuale fase storica di radicalizzazione dell’uso e della stessa definizione di spazio pubblico dovuta alla cosiddetta “crisi dei rifugiati” Tratta dal romanzo Le leggi dell’ospitalità di Pierre Klossowski, la prima frase del titolo della mostra si accompagna al riferimento a Xenia, l’antico concetto greco di ospitalità intriso di generosità e cortesia.
Chto Delat e Babi Badalov si soffermano sui mutamenti di significato che la parola “ospitalità” sta assumendo in ragione dell’affermarsi delle nuove tecnologie e delle strategie con cui oggi si acquisisce potere e si avanza sulla strada del progresso, strategie che abbandonano le precedenti linee guida e la politica della comunanza. L’unica ospitalità che conosciamo in Occidente è sempre sottoposta a condizioni che fanno riferimento a diritti, doveri, obblighi, ecc. Sorgono continuamente dispute in merito agli aspetti legali e giudiziari e sulle misure militari volte a contenere un fenomeno che i cittadini “comuni”, condizionati dall’isteria collettiva prodotta dai mass media, finiscono per percepire come una minaccia crescente alle loro case, all’ordine pubblico, al rispetto della legge, a ciò che viene chiamato “civiltà”.
E in ciò si annida una parziale verità, perché sappiamo dalla filosofia che anche un protocollo di ospitalità strettamente regolamentato comporta inevitabilmente una minaccia di ospitalità incondizionata (chi ospita si apre a una nuova esperienza e, spazzando via tutte le vecchie leggi, diventa ospitato nella sua stessa casa). Ma, allo stesso tempo, si parla sempre meno dell’utopia dei vecchi militanti europei che immaginavano migranti / alieni / ospiti come una forza rivoluzionaria in grado di spazzare via la legge e stabilire un nuovo mondo comunista insieme all’”ospite / padrone” liberato. Pochi oggi sono capaci di ispirarsi a tali visioni; oggi si tratta di preservare i resti di un umanesimo basico per fornire assistenza incondizionata a coloro che ne hanno bisogno.

La mostra è un riflesso del momento in cui i resti dell’utopia si mescolano con un amaro senso di perdita. Ed è una riflessione sull’idea di ospitalità, come metafora dell’apertura al nuovo e inesplorato – un’apertura al “virus” che può condurre sia al pericolo che alla salvezza. Nella radicalizzazione di questa idea, la componente teologica della fede – la credenza nella possibilità di trasformazione – è importante.
La mostra è costruita attorno a tre film, realizzati da Chto Delat fra il 2011 e il 2016, che riflettono in modo diverso il momento in cui si cerca rifugio, la protezione da una realtà minacciosa. Tutti e tre i film sono tragici a modo loro. Non danno consigli a chi è in cerca di sicurezza, piuttosto affermano realisticamente che siamo privati di questa condizione di sicurezza e che è necessario aprire ad una nuova situazione. Solo di fronte a un conflitto insolubile, siamo in grado di trovare una possibilità di trasformazione. Anche Babi Badalov e Nikolay Oleynikov, con le opere grafiche e tessili, riflettono sugli stessi temi creando spazi autonomi dove interpretare il fenomeno dell’ospitalità tra legge e illegalità. Infine, Gluklya Natalia Pershina-Jakimanskaya realizza delicati acquerelli e disegni a grafite frutto di un lavoro che l’artista sta conducendo dal 2012 insieme a rifugiati. Le opere dell’artista sono esposte e proposte alla vendita (parte dei proventi vengono devoluti ad associazioni che si occupano di accoglienza) insieme a quelle di alcuni rifugiati e rientrano in un processo più ampio composto da diversi progetti condivisi con gruppi di rifugiati da cui scaturiscono opere video, tessili (Сonceptual Сlothes) e performance.

Subterfuge

Julia Brown, Chto Delat?, Jacopo Natoli, Ana Pečar + Oliver Ressler, Alessandro Rolandi

curated by Mike Watson

18.01.2014 – 15.03.2014

Exhibition Views

Subterfuge, installation view, (Chto Delat?, Shivering with Iris – Julia Brown, The swim), photo by Giorgio Benni

Works

Alessandro Rolandi, A Message to the West, candy wrappers original (1950-1980), 2014, photo by Giorgio Benni

The Gallery Apart is proud to present ‘Subterfuge’, a show curated by Mike Watson in which a group of international artists present works which explore art’s capacity to evade the usual channels of governance, communication, welfare and education, leveraging the ostensible autonomy of art to create novel alternative channels of communication which circumvent the problems of the concrete political and social realm.

We live in uncertain and unknowable times for which the history of political thought seems inadequate. It is not enough to say that truth is fractured or that our ethical code is bought into question, for the loss of a binary mode of thinking – left-right, right-wrong, boom-bust, etc – robs us of the false yet dearly held distinctions which would allow for a rational analysis. We are left subject to the unpredictable movements of a finance mechanism created by us but unfathomable to us.

Whilst Politics is reducible to soundbites, Religion takes on extremist forms which parody the certainty of a bygone age and Science is put into the service of capital, ‘Art’ remains an unknown and unknowable quantity perhaps equal to the chaotic unknowable nature of the finance mechanism which presides unwittingly over us.

If so the task for the socially engaged artist is to retain the abstract ungraspable element at Art’s core, so as to match the abstraction of the financial mechanism whilst providing concrete responses to societal problems by way of ‘subterfuge’: a deceptive sophistry used to achieve a goal or end.

Russian collective Chto Delat? and artists Oliver Ressler (Austria) and Ana Pecar (Slovenia) present respectively ‘Shivering with Iris’ and ‘In the Red’, two world premiere films which explore, respectively, alternatives to education and to our debt culture.

Alessandro Rolandi – born in Italy and working in Beijing – presents ‘Message to the West’, in collaboration with Chinese artists, allowing communication across cultures thereby evading the heavy censure which keeps two distinct yet connected realities apart in a deep misunderstanding of one another.

American artist Julia Brown presents ‘The Swim’, a series of works drawing upon reserach into the Wade-Ins of the segregated USA in which both white and black bathers defied a ban on mixed bathing in 1964.

Jacopo Natoli (Italian) works in collaboration with Dionigi Mattia Gagliardi and the collective Spazi Docili, producing an installation examining issues of property, empty space and occupation in Rome’s Testaccio.

Subterfuge presents ongoing research conducted by curator Mike Watson under the title ‘Joan of Art’. The Joan of Art project – founded in collaboration with Nomas Foundation in 2012 – aims at using the resources of the art world to rethink models of education and welfare. Research was recently conducted at the 55th Venice Biennale.
See www.joanofart.net.

Julia Brown (Ypsilanti, Michigan, USA; 1978)
Julia Brown received her MFA from CalArts in 2006 and BA in studio art from Williams College in 2000. Brown was a 2010 recipient of the Epson Prize and the 2006 of the Dedalus Foundation MFA Painting Award. Her work has exhibited in New York at Ogilvy + Mather, Art in General, The Kitchen, Scaramouche Gallery, Harvestworks Media Festival, Talman + Monroe, LMAK Projects, and the Artists Space Project Room; in Los Angeles at LACE and Supersonic at Barnsdall Gallery; Real Art Ways, Hartford; Provincetown Art Association Museum (PAAM); internationally at Via Farini, Milan, Kunsthalle Dusseldorf, Form Video, London, and Blank Projects, Cape Town. Has attended residencies including ViaFarini, The Whitney Independent Study Program, the Fondazione Ratti, the Whitney Independent Study Program, Skowhegan School of Painting and Sculpture, and was a two time Visual Arts Fellow at the Fine Arts Work Center. Brown is currently a Visual Arts Fellow at The Core Program at the Museum of Fine Arts Houston and an Assistant Professor of Painting at George Washington University in Washington D.C.. She will begin a Smithsonian Institute Artist Research Fellowship in the Spring of 2014.

Chto Delat?
The collective Chto Delat? (What is to be done?) was founded in early 2003 in St. Petersburg by a workgroup of artists, critics, philosophers and writers from St. Petersburg, Moscow and Nizhny Novgorod with the goal of merging political theory, art, and activism. The group was constituted in May 2003 in St. Petersburg in an action called “The Refoundation of Petersburg.” Shortly afterwards, the original, as yet nameless core group began publishing an international newspaper called Chto Delat?. The name of the group derives from a novel by the Russian 19th century writer Nikolai Chernyshevsky, and immediately brings to mind the first socialist worker’s self-organizations in Russia, which Lenin actualized in his own publication, “What is to be done?” (1902). Chto Delat? sees itself as a self-organized platform for a variety of cultural activities intent on politicizing “knowledge production” through redefinitions of an engaged autonomy for cultural practice today.
The array of activities is coordinated by a core group including following members:
Tsaplya Olga Egorova (artist, St. Petersburg), Artiom Magun (philosopher, St. Petersburg), Nikolay Oleynikov (artist, Moscow), Natalia Pershina/Glucklya (artist, St. Petersburg), Alexey Penzin (philosopher, Moscow), David Riff (art critic, Moscow), Alexander Skidan (poet, critic, St. Petersburg), Oxana Timofeeva (philosopher, Moscow), and Dmitry Vilensky (artist, St. Petersburg). In 2012 the choreographer Nina Gasteva has joined a collective after few years of intense collaboration. Since then many Russian and international artist and researchers has participated in different projects realized under the collective name Chto Delat?

Jacopo Natoli (Rome; 1985)
Visual artist and experimental filmmaker. He studied Painting at the Rome Fine Arts Academy and Fine Art at the Chelsea College of Art and Design in London. He works with the forms of video-essay, documentary, audio-visual performance and text. He studies the language of moving-image: its form, politic and aesthetic. He is interested in conceptual and social marginality. He is conducting an interdisciplinary research on the aesthetic of the negative and the semiotic of Found footage film. Contributing editor of the magazine of art, research and progress nodes. With nodes he writes essays, realizes interviews and promotes events, performances and publications.
His works have been shown in festivals, museums and private galleries (i.e. 14^th Festival for experimental and different cinema, Paris, 2012; Careof, Milan, 2012; Arts at CIIS, ATA, San Francisco, 2012; The Space, Nottingham Contemporary, Nottingham, 2012; Image festival, Toronto, Ontario, Canada, 2012; Chisenhale Gallery, London, 2011, Hackney wicked festival, London 2010)

Ana Pečar + Oliver Ressler
Ana Pečar is video and intermedia artist. She is active as an organizer of public events through which she communicates artistic and collective currents. She achieved formal education on Corcoran School of art and University of Maribor and gained additional skills on numerous workshops and residencies. In her video work the social commentary is much more subtle and intertwines with mythologies and composed artistic spaces and imagined symbolism. Pečar’s videos are part of Carinthian regional museum collection, Slovene video archive (DIVA station), European Archives of Media Art, and online Earth water catalogue (an artistic initiative to raise awareness, understanding and appreciation of water).
Oliver Ressler (born in Knittelfeld, Austria, in 1970, lives and works in Vienna) is an artist and filmmaker who produces installations, projects in the public space, and films on issues such as economics, democracy, global warming, forms of resistance and social alternatives. Over the years, he collaborated with the artists Zanny Begg (Sydney), Ines Doujak (Vienna), Martin Krenn (Vienna), Gregory Sholette (New York), David Thorne (Los Angeles) and the political scientist Dario Azzellini (Caracas/Berlin).

Alessandro Rolandi (Pavia, 1971: Living and working in Beijing since 2003)
His work explores a thinner level of corrispondences between, art, knowledge, social context and language. He uses different media: drawing, sculpture, installation, performance, photography, found objects, interventions, video and text. He observes, borrows, alterates and documents reality to create possibilities that challenge our current socio-political structure and point out the effects it has on our daily life and on our schemes of thought. He is the founder/director of the Social Sensibility Research & Development Department at Bernard Controls Asia currently ongoing. His work has been shown, among other venues at: Venice Biennale2005 and 2011, WRO Wroclav Biennale 2011, CCD Photofestival Beijing 2009, 2010-2011, Museo Pecci, Milano 2011, MCAF Gent 2008, FUSO VideoArt Lisbon 2012, Under the subway, New York 2012, UCCA Beijing, 2012 and in Beijing Organic Farmers market. He was nominated by the Global Board of Contemporary Art among the best performance artists for the Alice Awards 2011 together with Megumi Shimizu for the performance “Something on the way”.

The Gallery Apart è orgogliosa di presentare “Subterfuge”, una mostra curata da Mike Watson in cui vengono presentate le opere di un gruppo di artisti internazionali che rifuggono dagli ordinari canali di governance, comunicazione, welfare e educazione, usando l’apparente autonomia dell’arte per creare canali di comunicazione originali e alternativi, che eludano gli attuali problemi del mondo politico e sociale.
Viviamo in tempi incerti e difficili da decifrare, per i quali la storia del pensiero politico appare inadeguata. Non basta affermare che la verità è ormai in frantumi o che il nostro codice etico è messo in discussione, in quanto la perdita di un modello binario di pensiero – sinistra-destra, giusto-sbagliato, crescita-recessione, ecc. – non permette più quelle distinzioni che presuppongono un’analisi logica. Siamo in balia dei movimenti imprevedibili di un meccanismo finanziario creato da noi, e tuttavia a noi stessi incomprensibile.
Mentre la Politica può essere ridotta a una serie di facili slogan, la Religione assume forme estreme, agghiacciante parodia delle certezze di un’epoca oramai andata e la Scienza è messa a servizio del capitale, “l’Arte” rimane un’incognita indecifrabile, forse simile alla natura caotica e indecifrabile del meccanismo finanziario che, senza saperlo, esercita il suo controllo su di noi.
Il compito, dunque, dell’artista socialmente impegnato è quello di conservare l’elemento astratto e inafferrabile che è l’essenza stessa dell’Arte, in modo da adattarla all’astrazione del meccanismo finanziario e fornendo contemporaneamente risposte concrete ai problemi sociali attraverso un “sotterfugio”: un sofisma fondato sulla finzione per ottenere uno scopo o un fine.
Il collettivo russo Chto Delat? e gli artisti Ana Pečar (Slovenia) con Oliver Ressler (Austria) presentano rispettivamente “Shivering with Iris” e “In the Red”, due film in anteprima mondiale che indagano rispettivamente le possibili alternative all’educazione e alla nostra cultura del debito.
Alessandro Rolandi – artista nato in Italia che vive e lavora a Pechino – presenta “Message to the West”’, un’opera realizzata in collaborazione con artisti cinesi, in cui i messaggi vengono trasmessi al di là dei confini, sfuggendo in tal modo alla censura.
L’artista americana Julia Brown presenta “The Swim”, una collezione di opere che attingono alla ricerca sui Wade-in ai tempi dell’America segregazionista, in cui sia i bagnanti bianchi e neri nel 1964 si opposero alla legge che imponeva spiagge separate.
L’opera di Jacopo Natoli (Italia) nasce dalla collaborazione con Dionigi Mattia Gagliardi e il collettivo artistico Spazi Docili, che esplorano temi quali la proprietà, lo spazio vuoto e l’occupazione nel quartiere Testaccio di Roma.
Subterfuge presenta una ricerca in fieri condotta dal curatore Mike Watson, intitolata “Joan of Art”. Il progetto – realizzato nel 2012 in collaborazione con la Nomas Foundation di Roma – ha come obiettivo quello di utilizzare le risorse del mondo dell’arte per ripensare e ridefinire i modelli di educazione e welfare. Una ricerca è stata recentemente condotta durante la 55^{^}Biennale di Venezia. Maggiori informazioni sul sito www.joanofart.net.
Julia Brown (Ypsilanti, Michigan, USA; 1978)
Julia Brown ha ricevuto il suo MFA dalla CalArts nel 2006 e BA in studi d’arte dal Williams College nel 2000. Brown ha vinto il Premio Epson nel e il AMF Painting Award della Fondazione Dedalus nel 2006. Il suo lavoro è stato esposto a New York presso Ogilvy + Mather, Art in General, The Kitchen, Scaramouche Gallery, Harvestworks Media Festival, Talman + Monroe, LMAK Progetti, e il Artists Space Project Room, a Los Angeles al LACE e Supersonic al Barnsdall Galleria; Real Art Ways, Hartford, Provincetown Art Association Museum (PAAM); inoltre in Via Farini, Milano, Kunsthalle Düsseldorf, Modulo Video, Londra e Progetti Blank, Città del Capo. Brown ha partecipato a numerose residenze, tra cui Viafarini, Il Whitney Independent Study Program, la Fondazione Ratti Corso Superiore di Arti Visive, Skowhegan School of Painting and Sculpture, ed è stata due volte Visual Arts Fellow at the Fine Arts Work Center. Brown è attualmente Visual Arts Fellow presso The Core Program presso il Museo di Fine Arts di Houston e Assistente Professore di Pittura presso la George Washington University di Washington DC. Inizierà una Smithsonian Institute Artist Research Fellowship nella primavera del 2014.

Chto Delat?
Chto Delat? (Che fare?) (Pietroburgo: 2003) è un collettivo fondato da un gruppo di artisti, critici, filosofi e scrittori provenienti da San Pietroburgo, Mosca e Nizhny Novgorod con l’obiettivo di fondere politica, arte e attivismo.
Il gruppo si è costituito in occasione di un azione chiamata “La rifondazione di Pietroburgo”. Il nome del gruppo deriva da un romanzo dello scrittore russo Nikolai Chernyshevsky e richiamano alla mente le auto- organizzazioni del lavoratori di Lenin nella sua pubblicazione, “Che fare ?” (1902).
Chto delat? sono: Tsaplya Olga Egorova (artista , Pietroburgo), Artiom Magun (filosofo, Pietroburgo), Nikolay Oleynikov (artista, Mosca), Natalia Pershina/Glucklya (artista, Pietroburgo), Alexey Penzin (filosofo, Mosca), David Riff (critico d’arte, Mosca), Alexander Skidan (poeta, critico, Pietroburgo), Oxana Timofeeva (filosofo, Mosca), e Dmitry Vilensky (artista, Pietroburgo). Dopo un’intensa collaborazione, nel 2012 la coreografa Nina Gasteva si è unita al collettivo. Molti artisti e ricercatori russi e internazionali hanno partecipato a diversi progetti realizzati sotto il nome del collettivo Chto Delat?

Jacopo Natoli (Roma; 1985)
Jacopo Natoli è un artista visivo e filmmaker sperimentale. Ha studiato Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Roma e Fine Art presso il Chelsea College of Art and Design di Londra. Lavora con le forme del film-saggio, del documentario, della performance e del testo. E’ interessato alle marginalità concettuali e sociali. Studia la politica e l’estetica dei linguaggi audio-visivi. Sta conducendo una ricerca interdisciplinare sull’estetica del negativo e sulla semiotica del Found-footage-film. È parte della redazione della rivista di arte, ricerca e progresso nodes. Con nodes scrive saggi, realizza interviste e promuove eventi e pubblicazioni.
Il suo lavoro è stato esposto in festival, musei e gallerie (tra i quali: 14th Festival for experimental and different cinema, Parigi, 2012; Careof, Milano, 2012; Arts at CIIS, ATA, San Francisco, 2012; The Space, Nottingham Contemporary, Nottingham, 2012; Image festival, Toronto, Ontario, Canada, 2012; Chisenhale Gallery, Londra, 2011, Hackney wicked festival, Londra 2010).

Oliver Ressler + Ana Pečar
Ana Pečar lavora con video e altri media. È attiva come organizzatrice di eventi pubblici attraverso i quali comunica correnti artistiche e collettive. Ha maturato la sua educazione alla Corcoran School of art e Università di Maribor e ha arricchito la sua preparazione grazie a numerosi workshop e residenze. Nei suoi video l’analisi sociale è molto sottile e si intreccia con mitologie, spazi artistici complessi e simbolismo immaginario. I video di Pecar sono nella collezione del museo regionale della Carinzia, archivio video slovena (stazione DIVA), Archivi europei di Media Art e on-line Earth water catalogue (un’iniziativa artistica di sensibilizzazione, comprensione e l’apprezzamento dell’acqua).
Oliver Ressler (Knittelfeld, Austria; 1970; vive e lavora a Vienna) è un artista filmaker che produce installazioni, progetti di arte pubblica e film su temi di economia, democrazia, riscaldamento globale, forme di resistenza e alternative sociali. Nelgli anni ha collaborato con gli artisti Zanny Begg, Ines Doujak, Martin Krenn, Gregory Sholette, David Thorne e il politologo Dario Azzellini. Ressler ha partecipato a più di 150 mostre, tra cui le Biennali di Praga (2005): Siviglia (2006); Mosca (2007) e Taipei (2008). Suoi progetti e mostre personali includono: “The Movement of Ideas” (film retrospective), Centre d’Art Contemporain, Ginevra (2013); “After the Crisis is Before the Crisis”, Artra Galleria, Milano e Basis, Francoforte (2012); “Venezuela from Below“, The Cube Project Space, Taipei con Dario Azzellini, (2012); “The politic of Art”, museo Nazionale d’arte contemporanea di Atene (2010); “The tourist, The Pilgrim, the Flaneur (and the worker)” (2011).

Alessandro Rolandi
Alessandro Rolandi (Pavia; 1971: Vive e lavora a Pechino dal 2003) il suo lavoro esplora le connessioni tra arte, conoscenza, contesto sociale e linguaggio. Usa differenti linguaggi: disegno, scultura, installazione, performance, fotografia, oggetti trovati, video e testi. Osserva e documenta la nostra attuale struttura socio-politica per sottolineare gli effetti che ha sulla nostra vita quotidiana e sui nostri schemi di pensiero.
Egli è il fondatore e direttore del Dipartimento Sociale sensibilità di Ricerca e Sviluppo di Bernard Controls Asia nel 2011, attualmente in corso. Il suo lavoro è stato esposto, tra gli altri luoghi a Venezia Biennale2005 e il 2011, WRO Wroclav Biennale 2011, CCD Photofestival Pechino 2009, 2010-2011, Museo Pecci, Milano 2011, MCAF Gent 2008, FUSO VideoArt Lisbona 2012, sotto la metropolitana, New York 2012, UCCA di Pechino 2012 e nel 2013 nel Beijing Organic Farmers market. E ‘stato nominato dal Consiglio di Arte Contemporanea globale tra i migliori artisti di performance per le Alice Awards 2011 insieme a Megumi Shimizu per la performance “Something in the way” .